Sleep Token France

This Place Will Become Your Tomb (2021)

This Place Will Become Your Tomb Sleep Token - Cover de l'album This Place Will Become Your Tomb de Sleep Token
Cover de l’album This Place Will Become Your Tomb de Sleep Token

Sommaire

This Place Will Become Your Tomb, le deuxième album studio de Sleep Token, est une œuvre profondément introspective et émotionnellement chargée. Paru en 2021, cet album poursuit la quête du groupe de fusionner des genres musicaux divers, entre metal progressif, post-rock et éléments électroniques. À la fois dense et nuancé, l’album explore des thèmes de souffrance, de perte et de rédemption, tout en apportant une évolution dans le son et la production du groupe. Si Sundowning avait établi les bases de leur univers musical, This Place Will Become Your Tomb y ajoute une dimension encore plus poignante et réfléchie, avec des compositions plus travaillées et un ton plus sombre.

1. Atlantic

Analyse instrumentale

« Atlantic » débute avec une atmosphère éthérée et immersive au piano, caractéristique de la musique de Sleep Token. Le morceau crée une sensation de tension constante avec des sonorités submergées et profondes, renforcées par des passages orchestraux et des arrangements électroniques subtils. Le son est fluide et dramatique, instaurant une ambiance à la fois apaisante et angoissante, comme une mer calme avant une tempête dévastatrice. Cette dualité est accentuée par la voix de Vessel, qui oscille entre douceur et intensité. La chanson se nourrit de crescendos et de réverbérations pour intensifier le sentiment de perte et de confusion.

Analyse des paroles

Le thème de « Atlantic » tourne autour de la destruction, du vide existentiel, et de la douleur personnelle. Les paroles explorent un mélange d’auto-destruction et d’appel à la rédemption, représenté par l’élément de l’eau – l’Atlantique – comme métaphore du désir de s’effacer ou d’être purifié par une force supérieure. Le titre évoque l’immensité et l’inaccessibilité de l’océan, suggérant une quête de soulagement qui semble hors de portée. Le thème de l’immersion dans les eaux de l’Atlantique pourrait symboliser un besoin d’oubli ou d’évasion, tout en étant lié à des actes de violence et de culpabilité.

L’ouverture de la chanson évoque une scène violente (« bury bodies underwater », « blue light over murder »), où l’eau devient à la fois un espace de refuge et de condamnation. La référence au fait de « flood me like Atlantic » symbolise un désir d’être submergé par l’eau, de s’effacer dans cette immensité, tandis que « bandage up the trenches » renvoie à des blessures émotionnelles qui sont tentées d’être guéries mais sans réel espoir. Vessel exprime son isolement à travers des métaphores de froid (« eyes like frozen planets »), de vide et de distance. Il parle d’une souffrance qui est difficile à comprendre, même pour ceux qui l’entourent. Les paroles soulignent une lutte intérieure, la douleur de la culpabilité (« wash away the blood on my hands ») et un appel au sommeil comme une forme de libération.

« Atlantic » est une chanson qui traite de la douleur, de la culpabilité et du désir d’évasion, représentés par des images fortes de violence, de perte et d’immersion dans l’eau. Le protagoniste se trouve plongé dans une lutte émotionnelle et psychologique, cherchant à fuir la réalité et ses conséquences. Le tout est enveloppé dans une atmosphère sonore dense et ambivalente, où l’on ressent à la fois un appel à l’oubli et une soumission à la fatalité. La chanson incarne ce thème récurrent dans l’album de la lutte avec l’invisible, la perte de contrôle et le besoin de purification.

Paroles de Atlantic
et traduction

2. Hypnosis

Analyse instrumentale

La chanson « Hypnosis » a une ambiance intense et envoûtante. Les éléments musicaux sont marqués par une construction qui évoque un état de transe, avec une progression lente et lourde. Le son est caractérisé par une instrumentation sombre et mélodique qui semble se rapprocher du post-rock et du métal atmosphérique. Cette texture musicale se mêle parfaitement aux paroles, créant une atmosphère où l’on ressent une lutte intérieure, une dépendance émotionnelle et une perte de contrôle.

Analyse des paroles

Le thème de « Hypnosis » tourne autour de l’idée de soumission et de dépendance émotionnelle. Les paroles parlent d’un état hypnotique, où le narrateur semble être sous l’emprise d’une autre personne, prête à tout sacrifier pour obtenir de l’amour ou de l’attention. Ce processus d’auto-annihilation à travers l’abandon à l’autre est renforcé par les images de « prendre tout » et de « faire saigner ». Il est question d’une forme de manipulation émotionnelle, dans laquelle l’extase et la douleur se mêlent, comme si l’hypnose permettait d’échapper à la réalité tout en renforçant cette dépendance.

Les paroles de « Hypnosis » décrivent un désir intense de s’échapper de soi-même (« Lift me out of my own skin »), de perdre son identité et de tout abandonner à une autre personne (« Take from me, leave nothing left »). Le narrateur demande à l’autre de le « faire saigner » et de lui offrir tout ce qu’il veut, renforçant l’idée de sacrifice et d’auto-destruction. L’idée d’hypnose revient plusieurs fois, soulignant l’emprise que l’autre exerce sur lui. À travers l’expression « you know you hypnotize me always », il est question d’une soumission persistante à cette personne, dans un état presque de transe, qui empêche le narrateur de se libérer.

« Hypnosis » de Sleep Token est une chanson sur la dépendance émotionnelle et la soumission. La personne dont il est question dans la chanson exerce une emprise totale sur le narrateur, qui semble prêt à tout sacrifier, même son identité, pour obtenir l’attention et l’amour. Les paroles, accompagnées d’une ambiance musicale envoûtante, créent une atmosphère de lutte intérieure, où la douleur et l’extase se mélangent dans un état d’hypnose constante. L’idée de perdre le contrôle de soi pour se soumettre à une autre personne est au cœur de cette chanson.

Paroles de Hypnosis
et traduction

3. Mine

Analyse instrumentale

La chanson « Mine » débute avec une atmosphère sombre et presque hypnotique. La musique souligne le conflit intérieur du narrateur, alternant des passages calmes et des crescendos émotionnels. Les instruments se mélangent pour créer une sensation de tension, d’attente et de désir, amplifiant l’obsession croissante du narrateur envers la personne qu’il désire. Cette alternance entre douceur et intensité sonore traduit bien l’ambivalence du désir, qui oscille entre l’amour et la domination.

Analyse des paroles

Le thème de « Mine » se tourne autour de l’obsession, de la possession et du désir de contrôle dans une relation. Le narrateur semble non seulement attirer par la personne qu’il aime, mais aussi convaincu que leur rencontre est prédestinée, sous l’influence d’une force supérieure. Il répète plusieurs fois que l’autre personne « sera sienne », reflétant une conviction profonde de possession, de fusion et d’inévitabilité. L’amour ici est présenté comme une forme de dépendance, voire de domination, où le narrateur est presque paralysé par son désir.

Les paroles de « Mine » révèlent un narrateur qui se sent paralysé par son propre désir. Il croit fermement que la relation qu’il entretient avec l’autre personne est une question de destinée. Les lignes « You will be mine » et « Did you not say we were made for each other? » illustrent la conviction du narrateur que cette relation doit absolument se concrétiser. Il est prêt à tout sacrifier pour que l’autre devienne sien, de manière totale et inéluctable. La répétition dans les paroles (« You will be mine », « Did you not say… ») montre l’obsession croissante du narrateur à vouloir contrôler cette relation.

« Mine » est une chanson qui explore l’obsession amoureuse et le désir de possession. Le narrateur est à la fois en proie à un désir intense et à une conviction profonde que la personne qu’il désire doit lui appartenir. L’idée d’un destin inévitable, guidé par une force supérieure, alimente cette obsession. À travers des répétitions et des métaphores liées au feu et à l’éternité, la chanson met en lumière la fusion entre l’amour et la volonté de contrôle, un amour qui devient presque une forme de dépendance émotionnelle.

Paroles de Mine
et traduction

4. Like That

Analyse instrumentale

: « Like That » se distingue par une ambiance sombre et lourde, accentuée par des percussions rythmées et une production en couches qui fait écho à l’intensité émotionnelle de la chanson. La musique passe par des moments de tension, soutenue par des guitares et des éléments électroniques qui se superposent, créant une atmosphère oppressante. Cette construction progressive reflète bien le thème de la lente dégradation d’une relation, avec des changements d’intensité qui soulignent le passage de la tension à l’explosion émotionnelle. L’utilisation de la dynamique musicale, avec des moments plus calmes qui se transforment en explosions intenses, crée un climat d’angoisse qui s’intègre parfaitement aux paroles.

Analyse des paroles

Le thème central de « Like That » est la manipulation émotionnelle et le conflit dans une relation toxique. Le narrateur se sent pris au piège sous la surface des mots de l’autre, en proie à des intentions cachées et des provocations verbales qui le conduisent à la dégradation émotionnelle. La chanson explore la souffrance infligée par quelqu’un qui semble jouer avec les émotions du narrateur, poussant les limites pour observer sa chute. Il y a un sentiment d’agression, de contrôle et de douleur que l’autre semble prendre plaisir à infliger. La question répétée « Do you like that? » souligne la nature sadique de la relation et le plaisir pervers que l’autre pourrait tirer de cette dynamique de pouvoir.

Les paroles de « Like That » dépeignent une relation où les mots sont utilisés comme des armes. Le narrateur se sent pris au piège dans un cycle de douleur causée par la personne qu’il aime, qui semble manipuler ses émotions et ses réactions pour provoquer sa souffrance. Des phrases comme « Talking with razors on your tongue » et « Push down into membranes and layers / Creating a slow dissection » illustrent la violence psychologique et la dégradation qu’il subit. Il est piégé, « trapped under the surface of your words », et la répétition de la question « Do you like that? » met en évidence la cruauté et le plaisir malsain que l’autre peut éprouver en le poussant à ses limites émotionnelles. L’idée de la « chute » est également centrale, avec des métaphores comme « fall into your eyes like a grave », suggérant l’absorption complète du narrateur dans la douleur et la souffrance que l’autre lui impose. Le nom de l’autre, « bury me to the sound of your name », évoque également cette idée de mort émotionnelle ou symbolique.

« Like That » est une chanson qui explore la douleur émotionnelle et la manipulation dans une relation toxique. Le narrateur est pris dans un cycle de provocation et de souffrance infligé par l’autre, qui semble tirer un plaisir pervers de le pousser à ses limites. La chanson se distingue par ses métaphores puissantes et sa musique intense, créant une atmosphère oppressante qui accentue le sentiment de torture émotionnelle. À travers des paroles comme « Do you like that? » et des images telles que « fall into your eyes like a grave », la chanson capture le désespoir et la dégradation psychologique subis par le narrateur. Le thème de l’auto-destruction émotionnelle, de la manipulation et de la douleur est au cœur de cette chanson, et elle se termine sur une note presque funeste, laissant entendre une relation marquée par la souffrance et l’emprise.

Paroles de Like That
et traduction

5. The Love You Want

Analyse instrumentale

La chanson « The Love You Want » commence par une ambiance intime et mélancolique. La musique se déroule autour d’une instrumentation simple mais immersive, avec des moments de tension croissante, où la voix de Vessel domine. Le ton est empreint de désespoir et de désir non réciproque, accentué par l’aspect minimaliste de la production qui laisse place aux émotions brutes du narrateur. Les transitions entre les refrains et les couplets sont fluides, mais les répétitions des paroles ajoutent à l’intensité de la chanson, créant une atmosphère à la fois douce et accablante.

Analyse des paroles

Le thème principal de « The Love You Want » réside dans l’amour non réciproque et l’obsession du narrateur envers quelqu’un qui semble fermé émotionnellement. Le narrateur, bien qu’il soit encore profondément attaché à la personne qu’il aime (« I’m still full of the love you want »), ne parvient pas à obtenir l’amour qu’il désire. La chanson explore l’idée du sacrifice de soi et de l’attachement à une relation où l’autre semble distante, voire inaccessible, malgré l’ardeur des sentiments du narrateur.

Les paroles de « The Love You Want » montrent un narrateur qui est profondément amoureux d’une personne qui semble incapable d’ouvrir son cœur. Le narrateur, même s’il sait que la relation n’est pas réciproque, continue de nourrir cet amour. Des lignes comme « Seems your heart is locked up and I still get the combination wrong » suggèrent que le narrateur fait face à une personne qui se protège émotionnellement. L’amour qu’il ressent est continu, inébranlable, mais il semble être une source de souffrance et de désillusion (« Too many swallowed keys will make you bleed internally someday »). Ce sentiment d’un amour non partagé est accentué par les répétitions du refrain, où le narrateur répète « I’m still full of the love you want », renforçant l’idée de sa perpétuelle attente et de son désir insatisfait.

« The Love You Want » est une chanson qui explore l’idée de l’amour non réciproque et de l’attachement à une personne qui ne semble pas prête à s’ouvrir émotionnellement. Le narrateur, bien que plein d’un amour profond et inaltérable, se trouve dans une relation déséquilibrée où son amour semble inaccessible à l’autre. L’attente incessante et la répétition des mêmes actions pour tenter de raviver cette connexion, malgré les rejets émotionnels, mènent à une souffrance persistante. La chanson, à travers une mélodie délicate et un texte poignant, capte l’intensité et la douleur de cet amour déséquilibré.

Paroles de The Love You Want
et traduction

6. Fall For Me

Analyse instrumentale

« Fall for Me » se distingue par une ambiance mélancolique et éthérée, avec une instrumentation qui privilégie les éléments atmosphériques, comme des nappes de synthé légères, des percussions discrètes et des progressions harmoniques qui renforcent la sensation de fragilité. La production crée un espace presque onirique, où les émotions flottent au-dessus d’une mer de sons apaisants mais empreints de tension. Le rythme de la chanson est mesuré et contemplatif, mais l’intensité monte progressivement, et on ressent une montée émotionnelle à mesure que le narrateur exprime son désir et ses insécurités. L’atmosphère, subtilement enveloppante, amplifie le thème de la vulnérabilité et de la quête de l’autre, mais aussi de l’isolement intérieur.

Analyse des paroles

Le thème central de « Fall for Me » repose sur la vulnérabilité émotionnelle et la recherche d’une connexion profonde et sincère avec quelqu’un. Le narrateur se sent piégé dans un monde fracturé (« fractured existence »), où il lutte avec ses propres insécurités et une séparation intérieure qui le pousse à se questionner sur sa propre identité. La chanson est une imploration, un appel à l’autre pour qu’il se laisse aller et tombe amoureux, comme une tentative désespérée de combler ce vide intérieur. Ce désir d’être vu et accepté, malgré les failles et les cicatrices du passé, est exprimé à travers des métaphores puissantes, comme « In a city of ice there are burning cathedrals » ou « Turning the skies into glass », qui dépeignent un monde à la fois froid et fragile, où l’amour est perçu comme un moyen de rédemption.

Les paroles de « Fall for Me » se construisent autour de l’idée que le narrateur se sent prisonnier d’une existence fracturée, un monde où les blessures du passé et les futures incertitudes se heurtent. Il implore quelqu’un de « tomber » pour lui, de se laisser entraîner dans cette relation, malgré les difficultés qui les entourent. La ville de glace et les cathédrales brûlantes symbolisent la contradiction entre un monde froid et une intense recherche de chaleur émotionnelle. Le narrateur fait face à ses insécurités (« My insecurities surround me like lions in the den »), se sentant déconnecté de lui-même et cherchant à retrouver un sens à travers l’autre. Il exprime son désir intense de connexion, de partage et de guérison (« With my love as your garden »). La répétition de « Won’t you fall for me? » souligne l’urgence de cet appel et l’espoir fragile qu’il place dans cette relation, comme si l’amour pouvait être une échappatoire à son propre déclin intérieur.

« Fall for Me » est une chanson introspective qui traite de la quête de connexion dans un monde émotionnellement fracturé. Le narrateur, pris dans ses propres insécurités et le poids de son passé, implore une autre personne de se laisser emporter par l’amour qu’il offre, malgré ses faiblesses et son incapacité à se comprendre pleinement. La chanson utilise des métaphores poétiques pour illustrer la dualité de l’existant : la froideur du monde extérieur et le désir brûlant d’une relation réconfortante. La répétition de l’appel « Won’t you fall for me? » traduit l’urgence du besoin de l’autre, comme une tentative de surmonter l’isolement émotionnel. Elle évoque l’espoir de trouver un salut à travers l’amour, tout en reconnaissant les fractures intérieures qui rendent ce désir difficile à réaliser. La composition musicale, à la fois délicate et émotionnellement puissante, soutient cette quête de l’autre dans un contexte de vulnérabilité profonde.

Paroles de Fall For Me
et traduction

7. Alkaline

Analyse instrumentale

« Alkaline » présente une ambiance fluide et hypnotique, avec une instrumentation qui oscille entre le doux et l’intense. La production s’appuie sur des nappes sonores légères et une rythmique mesurée qui donne l’impression d’une immersion progressive dans un état de contemplation. Les arrangements musicaux, avec leurs dynamiques subtiles et leurs transitions douces, renforcent l’effet de changement constant décrit dans les paroles. L’atmosphère générale de la chanson est celle d’une tension calme, où les émotions fluctuantes du narrateur sont capturées à travers des modulations instrumentales et vocales. Le choix de mélodies aériennes et de textures sonores variées accentue le sentiment d’être emporté par quelque chose d’incontrôlable, presque mystique, mais aussi d’une manière émotionnellement profondément transformatrice.

Analyse des paroles

Le thème de « Alkaline » se concentre sur l’effet transformateur de l’amour ou de l’attirance sur une personne qui semble être à la fois hors du commun et insaisissable. La figure féminine, ici décrite comme une « substance » qui échappe à toute classification simple (ni acide ni alcaline, ni jour ni nuit), symbolise quelque chose de profondément ambigu et fascinant. La chanson explore l’impact que cette personne a sur le narrateur, l’altérant et le poussant à voir le monde et ses propres désirs sous un jour nouveau. C’est une réflexion sur la chimie émotionnelle, mais aussi sur la manière dont une personne peut déstabiliser et redéfinir les certitudes de quelqu’un d’autre, en remettant en question des notions d’identité et de relation. La question de l’attirance et de la métamorphose joue un rôle essentiel dans ce morceau, car le narrateur cherche à comprendre et à fusionner avec cette personne, tout en étant conscient de l’impossibilité d’une telle fusion totale.

Les paroles de « Alkaline » présentent un narrateur qui se sent modifié par une personne dont l’influence le transforme profondément. Cette personne est décrite comme un élément « ni acide, ni alcalin », ce qui souligne son caractère ambigu et difficile à saisir. Elle se trouve entre deux extrêmes (noir et blanc, jour et nuit), symbolisant une figure qui échappe aux normes et catégories habituelles. Le narrateur est attiré par elle de manière irrésistible, et la chanson devient une métaphore de la « chimie » qui existe entre eux. Il parle de fondre à travers elle, d’atteindre son cœur, comme si leur relation pouvait être une sorte de réaction chimique intense et pure. Il la voit comme une « élément » inclassable, à la fois divine et diabolique, ce qui renforce l’idée d’une attraction mystérieuse et puissante. Le narrateur se sent captif de son propre désir, et la chanson reflète cette tension entre la fascination et l’incertitude face à une personne qui semble défier toutes les règles logiques et émotionnelles.

« Alkaline » est une chanson qui explore l’effet perturbateur de l’amour ou de l’attirance envers une personne qui est, dans une certaine mesure, incompréhensible et énigmatique. Le narrateur est transformé par cette relation, la décrivant comme une expérience chimique intense qui le pousse à repenser sa vision des désirs et des relations. Cette personne, ni acide ni alcaline, semble se situer entre deux mondes opposés, échappant à toute définition simple. À travers des métaphores liées à la chimie et à la science, la chanson décrit un désir et une fascination profonds, mais aussi l’incertitude et la complexité qui en découlent. Le narrateur est à la fois attiré et perturbé par cette relation, comme s’il ne pouvait éviter de se perdre dans cette dynamique qui défie les lois naturelles. La musique, avec sa production fluide et ses transitions subtiles, soutient ce thème de transformation, d’ambiguïté et de fusion impossible.

Paroles de Alkaline
et traduction

8. Distraction

Analyse instrumentale

« Distraction » possède une atmosphère intense et tourmentée, avec une production qui s’appuie sur des arrangements subtils mais poignants. La chanson alterne entre des passages plus aériens, presque éthérés, et des moments où la tension monte de façon progressive. Les rythmes sont discrets mais persistants, créant une ambiance où la confusion et l’incertitude se mêlent à l’intensité émotionnelle. La voix de Vessel, à la fois douce et brisée, renforce cette sensation d’être pris dans un tourbillon émotionnel difficile à contrôler. L’atmosphère de la chanson donne l’impression d’une spirale descendante, où l’esprit du narrateur semble se perdre dans ses pensées, ses regrets et ses obsessions.

Analyse des paroles

Le thème central de « Distraction » semble être l’idée d’être englouti par une obsession ou une attirance, au point de perdre toute forme de contrôle ou de rationalité. Le narrateur se sent « cassé en fractions », ce qui reflète son état intérieur de fragmentation et d’instabilité émotionnelle. Il est « drivé par la distraction », ce qui suggère une fuite dans une sorte de désir ou d’attachement qui le dévore, mais qui ne lui apporte pas de véritable soulagement. L’élément central dans cette chanson est la figure féminine, qui semble être plus qu’une simple personne : elle représente un idéal ou une force qui éclipse tout le reste. Cependant, cette obsession est dangereuse et le narrateur sait au fond de lui qu’il est trop tard pour revenir en arrière, qu’il est déjà trop pris dans cette spirale émotionnelle.

Les paroles de « Distraction » révèlent un narrateur en proie à des sentiments de confusion et de désespoir. Il parle de « tomber plus bas » sans pouvoir s’arrêter, ce qui met en évidence sa perte de contrôle sur ses émotions et son comportement. Il se sent brisé, décomposé en fragments (« cassé en fractions »), et attiré par une personne qui semble plus qu’humaine, presque idéale, mais en même temps inaccessible. Ce sentiment de déconnexion de soi-même et de dispersion intérieure est récurrent dans la chanson. La phrase « c’est trop tard pour moi » revient de manière insistante, illustrant l’idée que le narrateur se rend compte qu’il a déjà franchi un point de non-retour, qu’il est trop loin dans ses propres pensées et émotions pour pouvoir échapper à cette attraction. Cette obsession devient une distraction totale, comme une force qui l’entraîne inexorablement.

« Distraction » est une chanson sur la perte de contrôle émotionnelle et la souffrance liée à une obsession amoureuse ou désireuse. Le narrateur se sent brisé et fragmenté par ses sentiments, et cette attraction intense pour une personne, bien que séduisante et idéale, le conduit à une spirale de confusion et de distraction. L’élément central dans la chanson est cette idée que le narrateur se trouve piégé dans ses propres émotions et qu’il ne peut plus revenir en arrière. La répétition de l’expression « c’est trop tard pour moi » souligne l’idée de fatalité et d’impuissance face à cette situation. La musique, en combinant des éléments éthérés et poignants, accentue cette sensation de tourment intérieur et de perte de soi. Le narrateur est comme pris au piège dans une distraction qui l’empêche d’agir rationnellement et de se reconnecter à lui-même.

Paroles de Distraction
et traduction

9. Descending

Analyse instrumentale

« Descending » se distingue par une intensité qui grandit au fil de la chanson. La musique alterne entre des passages plus calmes, presque introspectifs, et des explosions émotionnelles marquées par des montées en puissance et une instrumentale plus agressive. Le ton de la chanson semble illustrer une lutte intérieure, un conflit émotionnel qui se déploie progressivement. La voix de Vessel oscille entre désespoir et colère, portant l’intensité du texte. L’ambiance sonore, à la fois envoûtante et perturbée, accompagne le thème de la chanson : un lien brisé et une frustration profonde, comme une descente dans un abîme où les sentiments de trahison et de douleur s’accumulent. L’atmosphère est tendue et déchirante, accentuant l’impression d’un déclin inévitable.

Analyse des paroles

Le thème de « Descending » tourne autour de la déception, de la trahison et de l’incapacité de réparer une relation qui s’est effondrée. Le narrateur se trouve dans une position où il ne veut pas laisser l’autre personne « tomber », mais il est clairement dévasté par le manque de réciprocité et la souffrance causée par des mots non tenus et des actions qui n’ont pas répondu à ses attentes. L’idée centrale est l’impossibilité de réparer ce lien. Le narrateur est confronté à la répétition de cycles où la personne revient vers lui, mais il se sent déjà « au sol », épuisé et incapable de continuer à offrir une aide. La chanson explore également la notion de parler sans agir, avec « les paroles bon marché » symbolisant la futilité des promesses non tenues et des actions manquées.

Les paroles révèlent un narrateur confronté à une relation où il a été déçu à plusieurs reprises. La phrase « tu viens ramper vers moi, mais je suis déjà au sol » symbolise l’épuisement émotionnel et le sentiment de défaite, suggérant que la personne revient vers lui seulement lorsqu’il est déjà trop fatigué ou brisé pour continuer. Il lui demande ce qu’elle ferait pour lui, une interrogation qui exprime la frustration et l’impossibilité de croire aux paroles sans actions. Il est clair que la personne a échoué à répondre à ses attentes, et cela se manifeste par l’idée de « les paroles bon marché ». Le narrateur semble épuisé de répéter les mêmes demandes, et la relation semble tourner en rond sans parvenir à résoudre les conflits sous-jacents.

« Descending » est une chanson sur la déception dans une relation où les efforts de l’un des partenaires semblent vains. Le narrateur, bien que ne voulant pas laisser l’autre personne « tomber », se rend compte que la situation ne fait qu’empirer, à mesure que les promesses non tenues et les mots vides se multiplient. La répétition des actions non concrétisées rend la relation inévitablement destructrice. L’utilisation du terme « descending » dans le titre évoque une chute progressive, une descente dans l’abîme émotionnel où les deux individus semblent perdus. La chanson expose les conséquences d’une relation unilatérale où la communication, bien qu’abondante, est dénuée de substance réelle, transformant les paroles en « paroles bon marché ». La frustration du narrateur atteint son apogée, symbolisée par la répétition de l’interrogation : « Que ferais-tu pour moi ? », soulignant l’idée d’une perte de confiance et d’un épuisement émotionnel profond.

Paroles de Descending
et traduction

10. Telomeres

Analyse instrumentale

: « Telomeres » est une chanson qui se distingue par sa lenteur envoûtante et par une atmosphère d’intimité et de profondeur. L’instrumentation est douce et minimaliste au début, créant un espace sonore presque flottant, propice à l’introspection. Les effets sonores et la production apportent un côté éthéré à la chanson, avec des textures subtiles qui semblent se déployer comme une mer calme, mais qui sous-tendent une force croissante. L’atmosphère globale fait écho à un voyage spirituel, presque mystique, où les frontières entre l’amour, le corps et l’existence deviennent floues. La voix de Vessel, douce mais pleine d’émotion, renforce cette sensation de vulnérabilité et de recherche d’unité avec l’autre. L’aspect sonore joue un rôle central dans la transmission du message de la chanson, accentuant le côté transcendant de l’expérience décrite.

Analyse des paroles

Le thème central de « Telomeres » repose sur la fusion de deux entités, non seulement au niveau physique, mais aussi au niveau spirituel et existentiel. Le narrateur semble trouver un état de communion parfaite avec l’autre, un moment où les frontières entre soi et l’autre s’estompent. Les « telomères », qui sont des structures sur les chromosomes responsables du vieillissement cellulaire, symbolisent ici la fin d’un cycle, mais aussi la possibilité de renaître, de se renouveler ensemble. La chanson explore l’idée de commencer quelque chose de nouveau, d’atteindre une connexion qui transcende le temps, le passé et le futur. Il y a également un aspect de guérison et de retour aux origines, avec l’idée que les deux êtres s’unissent à un niveau fondamental, dépassant même la mort.

Les paroles dépeignent un voyage où deux âmes se rencontrent dans un espace hors du temps, un lieu où les distances et les séparations sont effacées. L’image du narrateur guidé « dans le silence » et « buvant l’autre », suggère une immersion totale et une absorption de l’autre dans un échange profond. Les « rivières et océans » symbolisent l’immensité et la fluidité de cette relation, un flux sans fin qui relie les deux entités. La mention des « telomères » évoque une fin de cycle, mais aussi une renaissance, comme si cette union permettait de transcender le temps. Le narrateur se place dans une position d’accueil, avec « mes bras ouverts », indiquant sa préparation à recevoir cette connexion. La phrase « let the tides carry you back to me » (laisse les marées te ramener à moi) symbolise cette idée d’unité, de retour à la source, renforçant l’idée d’un amour à la fois éternel et régénérateur.

« Telomeres » est une chanson qui parle d’une connexion intense et transcendante entre deux êtres, qui vont au-delà des limites physiques et temporelles. Le narrateur semble s’unir à l’autre dans un espace mystique où les frontières disparaissent, symbolisé par les images des « rivières », des « océans » et des « telomères ». L’union n’est pas seulement physique, mais spirituelle, avec l’idée de dépasser la fin du cycle et d’entrer dans quelque chose de renouvelé. L’atmosphère musicale, douce et envoûtante, accompagne cette recherche d’unité et de transformation, où l’amour, la fusion des âmes et la guérison prennent une place primordiale. La chanson exprime le désir de recommencer, de se réinventer ensemble, dans un amour sans fin, où le passé et le futur n’ont plus d’importance.

Paroles de Telomeres
et traduction

11. High Water

Analyse instrumentale

« High Water » s’ouvre avec une atmosphère sombre et mélancolique, un environnement sonore à la fois lourd et introspectif. L’instrumentation est lente et dense, construite autour d’un piano qui se mêle subtilement aux percussions, renforçant cette sensation de lourdeur et de lutte intérieure. La voix de Vessel se fait douce mais pleine de tension, oscillant entre vulnérabilité et résignation. L’ambiance globale est celle d’un conflit intérieur, comme si chaque phrase était une lutte pour maintenir la tête hors de l’eau. La chanson prend un tour presque cathartique, avec une construction sonore qui monte en puissance, créant une tension palpable avant de s’apaiser et de se refermer dans une sorte d’acceptation.

Analyse des paroles

Le thème principal de « High Water » est la lutte avec la douleur intérieure, le regret et l’acceptation de la séparation. Le narrateur semble être dans un état de guerre intérieure constante, cherchant à contenir ses émotions tout en étant tiraillé entre l’envie de laisser tout cela derrière et l’incapacité de le faire. La métaphore des « hautes eaux » suggère une situation où le narrateur est submergé par ses sentiments, incapable de se libérer de ce poids, comme s’il était emporté par une mer déchaînée d’émotions contradictoires. L’idée de « choking on sacred vapour » (s’étouffer avec de la vapeur sacrée) évoque une sensation de suffocation, de piégée dans une quête de rédemption ou d’absolution, mais sans véritable libération.

Les paroles commencent par un aveu de déni et d’évitement (« I will still avoid my own questions »), illustrant une personne qui tente d’ignorer ses problèmes mais se rend compte que ses cicatrices sont le résultat de cette douleur non traitée. Les métaphores de « sacred vapour » et « holy favour » (vapeur sacrée et faveur divine) suggèrent que la personne cherche une forme de rédemption ou de pardon, mais cet espoir semble être illusoire. La phrase « my hell is your high water » reflète l’idée que ce qui pour l’autre est une force libératrice, un changement ou une transition, est pour le narrateur une épreuve et une souffrance. Le refrain, « Wash me clean again before I pull myself beneath the waves », évoque un désir de purification ou de guérison avant de sombrer définitivement dans la douleur. Cependant, ce désir de purification semble se heurter à une inévitable acceptation de la défaite, comme l’indique la ligne « I will admit my defeat again. »

« High Waters » est une chanson sur la lutte émotionnelle, l’acceptation de la douleur et la recherche d’une forme de rédemption. Le narrateur lutte contre des souvenirs et des regrets, tout en étant submergé par la vague de ses émotions. Les « hautes eaux » symbolisent à la fois la souffrance et la purification, avec l’idée que, malgré les efforts pour se libérer, il y a une certaine résignation à devoir affronter cette douleur. La chanson mêle des métaphores religieuses et naturelles pour décrire un conflit intérieur, où l’espoir de rédemption se heurte à l’impossibilité de retrouver la paix intérieure. La tension dans la musique et la voix de Vessel renforce cette idée de lutte intérieure, donnant à la chanson une profondeur émotionnelle intense.

Paroles de High Water
et traduction

12. Missing Limbs

Analyse instrumentale

« Missing Limbs » commence par une ambiance musicale immersive et frémissante, avec des touches subtiles de guitare et un fond sonore presque cinématographique. La production est minimaliste mais poignante, ce qui accentue la vulnérabilité de la voix de Vessel, qui semble tourmentée et déchirée. L’atmosphère générale est lourde et émotive, un mélange de regret, de nostalgie et de douleur. La progression musicale se fait de manière organique, les arrangements laissant de l’espace pour la voix de Vessel, qui porte le poids des paroles avec une intensité palpable. L’instrumentation se fait progressivement plus dense, ajoutant à l’impression de perte et de tension interne.

Analyse des paroles

Le thème central de « Missing Limbs » semble être l’expérience du regret, de la perte et de la douleur associée à une relation ou à un événement qui a laissé une marque indélébile. Le narrateur semble être en quête de libération de ses émotions contradictoires, de ses croyances brisées et des conséquences de ses actions. L’idée de « missing limbs » (des membres manquants) symbolise l’absence et la souffrance, comme si quelque chose de fondamental manquait dans la vie du narrateur, et qu’il vivait sans cette partie essentielle de lui-même. Cette « absence » pourrait être la conséquence d’une relation brisée ou d’une trahison, avec le narrateur qui se retrouve incomplet, comme un corps démembré. Le texte évoque également une recherche de rédemption et d’apaisement dans cette douleur, mais aussi la reconnaissance qu’il est trop tard pour revenir en arrière.

Le narrateur se pose des questions existentielles et réfléchit à la manière dont les « cercles extérieurs du ciel » (un symbole d’idéalisation ou de spiritualité) ne parviennent plus à nourrir son âme comme avant. Il semble désillusionné, cherchant à échapper à ses propres désirs et croyances, tout en étant incapable de se détacher de son passé. Il exprime son désir de se déconnecter de ses émotions et de ses regrets (« To sever my connection with everything »). Il se remémore ce qu’il a fait, ce qu’il a perdu, et comment cela continue de le hanter, le rendant « froid » et « mince » de manière symbolique, évoquant à la fois la perte de chaleur humaine et la diminution de son essence. Le refrain central, « I’ll live like I’ve got missing limbs for you », souligne l’ampleur de la douleur et de l’incomplétude ressentie par le narrateur, qui vit dans un état de privation, comme s’il était amputé d’une partie de lui-même.

« Missing Limbs » est une chanson sur la douleur d’une perte émotionnelle, d’un regret insurmontable et de la recherche de libération intérieure. Le narrateur lutte avec le poids de ses souvenirs et de ses erreurs, souhaitant pouvoir se débarrasser de ses convictions et de son passé pour trouver la paix. La métaphore des « membres manquants » illustre le sentiment d’incomplétude et de souffrance, et l’incapacité à se reconnecter à ce qui a été perdu. Le narrateur est hanté par ses actions passées et par la relation brisée, et son désir de déconnexion se heurte à l’impossibilité de se détacher totalement de ce qui l’a façonné. Cette chanson capte le sentiment de solitude et de manque profond, amplifié par des arrangements musicaux qui soutiennent parfaitement cette ambiance de vulnérabilité et de lutte intérieure.

Paroles de Missing Limbs
et traduction

This Place Will Become Your Tomb – Synthèse

Contexte général

Cet album explore une gamme d’émotions et d’expériences humaines profondes, de la perte à la recherche de rédemption, en passant par l’introspection et la lutte contre ses démons intérieurs. Musicalement, l’album oscille entre des passages éthérés et atmosphériques, où l’instrumentation joue un rôle primordial dans la création de tensions émotionnelles, et des sections plus intenses où l’électro et le métal mélodique se mêlent pour renforcer l’impact des paroles. La production est caractérisée par des ambiances dramatiques et minimalistes, laissant souvent la place à la voix de Vessel pour porter la charge émotionnelle.

Thèmes centraux

Les thèmes récurrents sont l’abandon, le regret, la quête de rédemption et l’isolement. L’album est marqué par une lutte intérieure constante entre l’amour, la douleur et la résignation. Plusieurs chansons abordent l’idée de l’incomplétude, de la recherche de sens dans une existence fracturée, et de la difficulté à se défaire du poids du passé. L’album semble être une exploration de ce que cela signifie être hanté par des erreurs passées, vivre avec la culpabilité, et essayer de s’accrocher à des fragments de réconfort tout en étant constamment confronté à une force plus grande que soi-même.

Lecture des chansons

  • Atlantic et Hypnosis captent l’impression d’être englouti par ses émotions et ses relations, comme si le narrateur se noyait dans un océan d’incertitude, d’angoisse et de dépendance. Les paroles de ces morceaux dépeignent un voyage mental et émotionnel où la recherche de paix semble sans fin.
  • Mine et The Love You Want abordent la notion de désir et d’obsession, tout en se confrontant à des attentes déçues et des déséquilibres émotionnels. Le narrateur semble à la fois attiré par un amour ou une personne qui l’échappe et se débat avec ses propres convictions.
  • Like That et Fall for Me évoquent la manipulation émotionnelle et la perte de soi dans une relation toxique. Il est question de la douleur de vouloir et de ne jamais être pleinement satisfait, ce qui conduit à un cycle incessant de tentation et de rejet.
  • Des chansons comme Alkaline et Telomeres mettent en avant l’alchimie intérieure, la transformation et la recherche d’une connexion spirituelle ou physique, souvent marquée par une expérience cathartique de l’amour, du désir et de la souffrance.
  • High Waters et Missing Limbs plongent dans des sujets de douleur personnelle et de regret. Ces morceaux illustrent la lutte intérieure pour accepter des choix de vie difficiles, tout en explorant l’idée de vivre avec des cicatrices émotionnelles permanentes, de se sentir incomplet, mais aussi d’accepter la perte comme une partie inévitable de l’existence humaine.

Résumé global

This Place Will Become Your Tomb est un album profondément introspectif et émotionnellement complexe qui explore les facettes les plus sombres de l’âme humaine. Le thème central qui traverse toutes les chansons est celui de la lutte contre les forces internes et externes qui façonnent la personne que nous devenons, tout en étant hantés par les choix et les événements passés. L’album se présente comme une exploration de la transformation : un voyage à travers la douleur, le désir et la rédemption, où les personnages se confrontent à la réalité d’une existence imparfaite et fragmentée.

Le titre de l’album, This Place Will Become Your Tomb, suggère que l’on finit par être englouti par ses propres démons, que l’on cherche à échapper à une situation sans issue ou à un état de mal-être. Chaque chanson contribue à cette atmosphère, où l’on se débat avec l’idée de perte et de réconciliation, tout en tentant de comprendre ce qui reste quand tout est dévasté.

Musicalement, l’album épouse cette idée de dualité : entre la douceur et la brutalité, la lumière et l’obscurité, le tout porté par une voix qui va du cri guttural à la douceur intime, soulignant cette gamme d’émotions contrastées. Sleep Token réussit à créer une atmosphère dense et immersive qui pousse l’auditeur à une exploration personnelle et émotionnelle intense.

Comment interpréter le titre This Place Will Become Your Tomb ?

Le titre « This Place Will Become Your Tomb » semble porteur d’une forte connotation symbolique, presque funèbre, et peut être interprété à travers plusieurs prismes en relation avec les chansons de l’album. Voici quelques pistes d’interprétation basées sur les analyses des morceaux :

1. Thème de la fin inéluctable

Le titre fait directement référence à l’idée que le lieu où l’on se trouve (que ce soit un état émotionnel, une relation, ou même l’existence elle-même) est destiné à devenir notre tombeau. Cela suggère une idée de fatalité, où il est impossible de s’échapper de certains aspects de notre réalité ou de nos choix passés. Cela se reflète dans des chansons comme « High Waters » où l’idée de l’agonie et du regret se mêle à l’idée d’une inévitable immersion dans la douleur et la perte. Cette notion de « tombeau » pourrait symboliser un état psychologique ou émotionnel d’enfermement, où le narrateur se sent piégé dans un cycle de souffrance ou d’échec, comme dans « Descend », où le narrateur parle de se retrouver « au sol », déjà englouti par la situation.

2. L’acceptation de la souffrance

Dans plusieurs morceaux, notamment « Missing Limbs » et « Fall for Me », on trouve une exploration de la souffrance personnelle, des cicatrices laissées par les événements passés, et de l’incapacité à se défaire de ce poids. Le titre de l’album pourrait alors représenter l’acceptation de cette souffrance et de cette perte, comme une sorte de tombeau intérieur où l’on finit par se résigner à vivre avec ses démons et ses regrets. La tombe symboliserait ici un espace mental ou émotionnel où l’on s’enterre, ou où l’on permet à la douleur de définir son existence, comme une prison invisible qui devient une part de soi-même.

3. L’épuisement de la quête de rédemption

Le titre pourrait également indiquer l’échec des tentatives de rédemption. Dans des chansons comme « Alkaline » et « Telomeres », l’idée d’une quête spirituelle ou d’une transformation est présente, mais ces transformations ne semblent pas aboutir à une véritable guérison. Les personnages de ces chansons semblent se trouver dans des cycles de désir, de perte et de recherche de sens, mais toujours dans un état de vulnérabilité. « This Place Will Become Your Tomb » pourrait symboliser ce moment où la quête de sens se termine dans l’épuisement, où la personne se rend compte que l’espoir de rédemption est devenu aussi inaccessible que la lumière au bout du tunnel.

4. Une déconnexion émotionnelle

Enfin, le titre peut aussi être interprété comme la déconnexion émotionnelle ressentie dans beaucoup de morceaux, comme dans « Like That » ou « The Love You Want ». Dans ces chansons, il y a cette idée d’un amour ou d’une relation qui se transforme en une source de douleur ou de frustration. Le « tombeau » pourrait symboliser une relation ou un état d’âme devenu trop lourd à porter, où l’on se sent isolé et déconnecté des autres, enfermé dans une forme de stase émotionnelle.

5. Le poids du passé et l’impossibilité d’avancer

Plus globalement, l’album semble naviguer entre un sentiment de stagnation et une tentative d’échapper à ce poids du passé. Le titre « This Place Will Become Your Tomb » pourrait alors désigner l’impossibilité de se libérer de ce que l’on a vécu, de l’histoire qui nous hante. Cette idée est omniprésente dans des morceaux comme « Atlantic » ou « Mine », où les personnages semblent être piégés dans des schémas récurrents de désir, de douleur et de regrets.

This Place Will Become Your Tomb (Instrumental)

  • Sortie : La version instrumentale de This Place Will Become Your Tomb est sortie le 26 novembre 2021, soit deux mois après la version standard du 24 septembre 2021. D’autres sources indiquent fin mars 2022, mais les plateformes officielles (Spotify, Apple Music, Amazon) et MusicBrainz fixent néanmoins la date au 26 novembre 2021 .
  • Contenu : L’album contient les 10 pistes originales en version instrumentale, pour une durée totale d’environ 46 minutes. Spotify et Apple Music confirment ces détails.
  • Crédits & distribution : ℗ 2021 Universal Music Operations Limited, distribué par Spinefarm Records.
  • Communauté & anecdotes : Sur Reddit, certains fans rapportent que la version instrumentale a été brièvement retirée (UK) puis ré-uploadée, suscitant des réactions enthousiastes dans la communauté.

Même si l’album est plus récent, des retours d’auditeurs mettent en lumière son potentiel musical sans voix :

« Can’t get over the fact how beautiful Distraction’s instrumental is… parts remind me de Kubbi’s “Taiga”… »
« These are blowing my mind… it’s such a game changer for dancing, since Vessel isn’t distracting… I actually can focus on beat/rhythm »

Certains critiques présentaient déjà, sur les versions originales, le soin apporté aux « nappes électroniques, piano, rythme » (citations de critiques sur This Place… ), des éléments révélés sous un nouvel angle dans les versions instrumentales. Les morceaux comme Distraction et Telomeres sont ainsi mis en valeur pour leur élégance mélodique et leur production soignée.

Morceaux absents

  • “Fall For Me”
    Ce morceau ne comporte pratiquement aucun instrument, étant principalement basé sur la voix avec un léger piano Rhodes à la fin. Par conséquent, une version « instrumentale » serait essentiellement muette ou vide, ce qui explique son omission.
  • “Missing Limbs”
    Cette chanson a été enregistrée en une seule prise, voix et guitare en simultané. Le micro de guitare a capté la voix (« vocal bleed »), rendant l’extraction de la voix quasi impossible sans dégrader le rendu sonore.

En résumé, Fall For Me et Missing Limbs n’apparaissent pas sur la version instrumentale car ils ne se prêtent pas du tout à ce format : l’un est presque exclusivement vocal, l’autre souffre d’un enregistrement guerrier où la voix est indissociable de l’instrument.

Conclusion

En résumé, le titre This Place Will Become Your Tomb semble encapsuler l’idée de l’inhumation progressive d’une partie de soi dans la souffrance, la culpabilité et la résignation. C’est une réflexion sur l’immobilisme émotionnel et psychologique, où la place (qu’elle soit une relation, un passé ou un état mental) finit par devenir un espace clos, une tombe symbolique qui nous maintient enchaînés. L’album, à travers ses chansons, semble illustrer ce processus d’enfermement, d’acceptation de la douleur, et d’un voyage intérieur où le personnage lutte pour se libérer tout en étant englouti par ce qu’il ne peut éviter.

Le producteur et le label

This Place Will Become Your Tomb a été produit par George Lever, qui a également collaboré avec Sleep Token sur leur précédent album, Sundowning. Lever, reconnu pour son travail sur des productions à la fois atmosphériques et intenses, a su capturer la profondeur émotionnelle du groupe tout en maintenant un équilibre subtil entre l’expérimentation sonore et la densité musicale.

L’album a été publié sous le label Spinefarm Records, une filiale du géant Universal Music Group. Spinefarm, connu pour sa spécialisation dans le metal et les genres alternatifs, a soutenu Sleep Token dans leur ascension sur la scène musicale internationale, offrant au groupe une plateforme pour toucher un public plus large.

Récompenses et chiffres

​L’album This Place Will Become Your Tomb de Sleep Token a reçu des distinctions notables et a figuré dans plusieurs classements de fin d’année en 2021. Le magazine Distorted Sound l’a classé à la troisième place de ses meilleurs albums de l’année, le positionnant juste derrière In the Court of the Dragon de Trivium et Eternal Blue de Spiritbox. De son côté, Kerrang! l’a placé en 48ᵉ position dans sa liste des 50 meilleurs albums de 2021, le qualifiant de « émotionnellement vivant » et mettant en avant des titres comme « Hypnosis » comme points forts. Metal Hammer a également reconnu la qualité de l’album en le classant à la 14ᵉ place de son top annuel, avec huit de ses rédacteurs l’incluant dans leurs listes personnelles, dont 5 dans le top 10.

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